Para entender o Impressionismo, precisamos voltar para a França do século XIX, em um momento em que, basicamente, tudo estava mudando ao mesmo tempo.

As cidades cresciam, as fábricas se multiplicavam, a burguesia ganhava cada vez mais força e a Revolução Industrial transformava não apenas a economia, mas a forma como as pessoas trabalhavam, consumiam, se locomoviam e enxergavam o mundo.

Paris também estava mudando. A cidade se modernizava, novos espaços de convivência surgiam e a vida parecia ficar cada vez mais rápida.

Curiosamente, quanto mais moderno e urbano o mundo ficava, mais os artistas começavam a olhar para a vida no campo e para a natureza, como uma forma de escapar daquele novo mundo dominado pelo capital e pela produção em massa.

E assim, começava a época das paisagens.

Hoje isso parece a coisa mais normal do mundo. Você entra em um museu, vê uma pintura de uma paisagem e pronto. Mas, naquele momento, escolher uma paisagem como protagonista de uma obra era muito mais revolucionário do que parece.

Durante muito tempo, a Academia de Arte havia determinado uma espécie de hierarquia da arte. Existiam assuntos considerados mais importantes e dignos de um grande artista, como cenas históricas, religiosas e mitológicas, enquanto a paisagem ocupava uma posição inferior.

Só que alguns artistas começaram a não estar muito interessados nessas regras.

E um dos primeiros a deixar isso muito claro foi Gustave Courbet.

Courbet era realista e defendia que a arte deveria olhar para o mundo presente, para aquilo que realmente existia diante do artista.

Em 1855, ele pintou uma obra chamada O Ateliê do Artista.

E essa pintura é muito interessante para entender tudo o que estava começando a acontecer.

Courbet aparece bem no centro da obra, ao seu lado, está uma mulher nua, elemento que representa diretamente a Academia, já que era ela que costumava pintar corpos nus. Mas, Courbet não está pintando a mulher. Ele está de costas para ela, e pintado uma paisagem.

Ou seja, ele deixou claro que estava, literalmente, dando as costas à Academia e explorando um novo plano em sua arte.

Com isso, aos poucos, o artista deixa de ser apenas alguém que domina perfeitamente uma técnica e começa a ser valorizado também por sua maneira particular de enxergar o mundo.

Existe uma frase que resume muito bem essa ideia: a arte é um pedaço da natureza filtrado por um temperamento.

E foi assim que o mundo da arte começou a mudar. Enquanto os artistas começavam a questionar a Academia, outra transformação acontecia fora das telas.

Nascia um novo mercado de arte.

Antes, era muito comum que uma pintura fosse feita porque alguém havia encomendado. A Igreja, a aristocracia, o Estado ou um mecenas contratava o artista para produzir determinada obra.

Agora, o artista podia simplesmente pintar, sem saber exatamente quem compraria aquela obra. Ou se alguém compraria. Era o mercado e o capitalismo entrando na História da Arte.

É nesse contexto que a figura do marchand, o comerciante de arte, nasce e ganha importância.

Desde então, ele aproxima artistas e compradores, ajuda a criar reputações e participa da construção de um mercado no qual uma pintura também pode ser vista como um investimento.

E isso muda completamente a posição do artista.

Porque ele passou a ganhar mais liberdade para produzir aquilo que deseja, mas também precisa encontrar alguém disposto a comprar sua obra.

Aos poucos, começa a surgir uma lógica que conhecemos muito bem hoje: o nome do artista também tem valor.

Você não quer simplesmente uma pintura de um jardim, você quer um Monet.

Não se vende apenas a obra. Vende-se também aquela personalidade, aquele olhar, aquele artista.

Mas antes de chegarmos a Monet, precisamos falar de outro homem que resolveu causar um pequeno caos em Paris.

É aqui que entra Édouard Manet.

Em 1863, Manet apresenta sua obra Almoço sobre a Relva.

E a obra é recusada pelo Salão Oficial.

Até aí, nada tão incomum. Várias pinturas eram recusadas. Só que o Almoço sobre a Relva virou um escândalo.

Na cena, temos dois homens vestidos e uma mulher completamente nua, sentados tranquilamente em um bosque.

O nu não era novidade na arte. O problema era que aquela mulher não estava disfarçada de Vênus, ninfa ou qualquer outra personagem mitológica.

Era uma mulher contemporânea, nua, sentada ao lado de dois homens vestidos e olhando diretamente para o espectador.

Além disso, as pinturas de Manet tinham contrastes fortes, muito preto, áreas mais chapadas e uma luminosidade que nem sempre obedecia à construção tradicional de volume e profundidade.

Ele conhecia profundamente a tradição e fazia várias referências à História da Arte. Ou seja, Manet não estava simplesmente jogando tudo fora, mas estava mexendo com as regras.

Ele ainda tinha um pé no passado, mas o outro já estava entrando em alguma coisa completamente diferente.

Enquanto Courbet começou a questionar o que poderia ser pintado, Manet questionou como aquilo poderia ser pintado.

Com isso, chegamos a 1874, quando um grupo de jovens artistas estava cansado de depender do sistema oficial dos Salões para conseguir expor suas obras.

Entre eles estavam nomes que hoje parecem óbvios dentro de qualquer museu: Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro e Berthe Morisot.

Mas eles ainda estavam longe de ter o prestígio que têm hoje.

Então decidiram fazer uma coisa bastante ousada e organizaram a própria exposição, sem esperar que a Academia dissesse se suas obras eram boas o suficiente.

E uma das pinturas expostas naquele ano era uma paisagem de Monet.

Um porto, alguns barcos, uma névoa azulada e um pequeno sol alaranjado aparecendo no horizonte.

O nome da obra? Impressão ao Sol Nascente.

Na época, chamar uma pintura de “impressão” não era necessariamente um elogio. Significava algo parecido com um esboço, uma primeira sensação, uma pintura que ainda não estava completamente terminada.

Um crítico chamado Louis Leroy visitou a exposição e publicou uma crítica debochando sobre aqueles artistas: “Se aquilo era uma “impressão”, então aqueles pintores só poderiam ser Impressionistas”.

Era uma piada, obviamente, mas virou o nome de um dos movimentos artísticos mais importantes da História da Arte.

Os Impressionistas estavam tentando fazer uma coisa completamente diferente. Eles não queriam necessariamente pintar o que sabiam que estava diante deles, queriam pintar aquilo que seus olhos estavam percebendo naquele exato momento.

E existe uma diferença enorme entre essas duas coisas. Por exemplo, nós sabemos que uma árvore tem folhas verdes. Mas, coloque essa árvore sob a luz alaranjada do pôr do sol e talvez seus olhos enxerguem amarelo, laranja, marrom e azul.

Então, qual é a cor “correta” da árvore? Para um Impressionista, talvez essa pergunta nem faça sentido, porque a realidade muda conforme a luz muda.

É por isso que podemos pensar no Impressionismo como uma pintura quase fenomenológica. O que importa é a experiência daquele instante.

A impressão, a luz e a cor. Aquilo que está acontecendo diante dos nossos olhos antes que desapareça.

E ninguém levou essa obsessão tão longe quanto Claude Monet.

Monet pintava o mesmo lugar várias vezes, não porque estava sem assunto, mas porque, para ele, nunca era exatamente o mesmo lugar.

A luz das oito da manhã era diferente da luz das quatro da tarde. Um dia nublado transformava completamente as cores de uma construção. O verão não produzia a mesma paisagem que o inverno.

Então Monet começou a criar séries inteiras tentando registrar essas mudanças. E talvez uma das coisas mais bonitas do Impressionismo seja justamente isso. Eles não tentavam pintar apenas as coisas, mas sim pintar o tempo passando sobre elas.

Quando olhamos para Madame Monet e seu Filho, por exemplo, quase conseguimos sentir o vento.

O vestido parece se movimentar, as nuvens estão passando, a grama não tem cada folha perfeitamente desenhada.

Porque Monet não está tentando eternizar uma imagem perfeita, ele está tentando pegar um segundo antes que ele vá embora.

Os Impressionistas não estavam interessados apenas na natureza, eles também começaram a olhar para aquilo que estava acontecendo ao redor deles.

Os cafés, as festas, os parques, os teatros, as ruas, as pessoas passeando e a burguesia se divertindo.

Renoir pintou várias cenas da vida da classe média. Degas observava bailarinas, corridas de cavalos e espaços da vida parisiense e Berthe Morisot registrava uma experiência da modernidade que seus colegas homens nem sempre conseguiam acessar: a vida das mulheres.

E aqui precisamos fazer uma observação importante. Ser uma mulher artista no século XIX era muito diferente de ser um homem artista.

Para começar, uma mulher precisava ter condições financeiras e familiares que permitissem uma educação artística. Mesmo assim, não tinha acesso aos mesmos espaços, às mesmas experiências ou à mesma liberdade que um homem.

Morisot vinha de uma família burguesa e conseguiu estudar arte, mas ainda estava inserida em uma sociedade que determinava quais lugares uma mulher “respeitável” poderia frequentar.

Isso obviamente aparece em suas pinturas e também nos lembra de uma coisa fundamental: sempre que contamos a História da Arte, estamos contando uma perspectiva específica de uma época específica.

No meio de tudo isso, acontece outra coisa fascinante.

O Japão, que durante séculos havia mantido relações extremamente restritas com outros países, é pressionado militarmente pelos Estados Unidos a abrir seus portos ao comércio internacional em meados do século XIX.

Com essa abertura, objetos e obras japonesas começaram a circular com muito mais força pela Europa e os artistas franceses ficaram obcecados.

As gravuras japonesas traziam enquadramentos inesperados, composições assimétricas, grandes áreas de cor e uma relação com a natureza muito diferente daquela estabelecida pela tradição europeia.

Essa influência ficou conhecida como Japonismo e Monet era completamente apaixonado por ela.

Ele colecionava gravuras japonesas e, anos depois, criou em sua casa em Giverny um jardim inspirado nessa estética, incluindo a famosa ponte japonesa de Monet que aparece em tantas de suas pinturas.

E é aqui que nasce a Arte Moderna!

Porque talvez a maior revolução do Impressionismo não esteja nas pinceladas soltas, nas paisagens ou nas cores. Mas sim, na liberdade do artista.

Courbet já havia começado a desafiar aquilo que a Academia considerava digno de ser pintado, Manet começou a desmontar algumas regras técnicas e temáticas, mas os Impressionistas deram um passo ainda maior.

Eles não queriam mais esperar que uma instituição dissesse o que era considerado arte ou não.

Eles organizaram suas próprias exposições, criaram seus próprios espaços, pintaram aquilo que queriam, da maneira como queriam e encontraram um mercado disposto a comprar essas obras.

A autoridade começa a sair das mãos da Academia e passa, cada vez mais, para o próprio artista.

Depois do Impressionismo, vieram Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Matisse, Picasso e tantos outros artistas que levaram essa liberdade cada vez mais longe.

Por isso, quando olhamos para uma pintura Impressionista hoje e vemos apenas um lindo jardim, um pôr do sol ou algumas pessoas tomando café em Paris, talvez seja fácil esquecer o tamanho da revolução que existe ali.

O Impressionismo não mudou apenas a maneira de pintar uma paisagem, mudou a maneira de entender o que um artista pode fazer.

A arte deixou de precisar mostrar o mundo como ele deveria ser e passou a mostrar o mundo como alguém o enxergou.